Illustration « La Délirante » :

Faire tenir un plateau de 200kg sur seulement 3 pieds positionnés dans des plans indépendants fut d’abord un pari technique inédit avant d’éveiller un intérêt esthétique qui ne pouvait qu’être original. Déstabiliser un regard habitué à des formes conventionnelles et rassurantes, en était le deuxième enjeu.

Illustration « La Coffee Stable » :

Des pieds ronds pour une table carrée présagent plutôt un mouvement chaotique qu’une assurance fonctionnelle. C’est justement dans sa fonctionnalité que la table surprend son utilisateur dès le premier touché.

Illustration « La Sauvage » :

Cette console fabriquée à partir de vieilles portes tibétaines paraît d’une simplicité déconcertante si ce n’était son assemblage original qui apporte une touche de sophistication discrète. Cet assemblage représente un challenge technique dû à  l’irrégularité du bois ancien.

Surpasser ses propres capacités techniques pour briser les conventions techniques et esthétiques, et étonner : c’est le leitmotiv que s’est donné David Jushpe pour chacune de ses créations.

Les meubles sont fabriqués dans son usine en chine où le designer s’est entouré d’ébénistes chinois, sévèrement triés, lui apportant leur savoir-faire issu de 5000ans d’innovation et virtuosité technique.

À l’image du travail d’un couturier ou d’un architecte, chaque objet devient une représentation d’un mode de vie, d’un environnement ou d’une culture.

Tous les produits Shiny Hammer sont fabriqués en France et signés d’un blason. Les créations sont développées et produites, une à une, par le designer français Samuel Aguiar.

Cette chaise est le résultat d’une technique de production C.I.M (développée par Shiny Hammer) qui prévoit d’utilisation d’un procédé de cintrage à la fois primaire et sophistiqué. Chaque chaise est une pièce unique.

Un autre objet à la fois fonctionnel et décoratif. Le coffre Dallas présente une sculpture excentrique faite en aluminium et en cuir.

C’est un luminaire SHONE dont le design est inspiré de l’aéronautique. Il diffuse une lumière d’ambiance projeté vers le haut, se reflétant au plafond et sur les différentes surfaces autour de l’objet.

Le profil transparent de la table LOOP défini par une ligne, en opposition aux autres angles de vue. Sa simplicité lui offre une grande polyvalence.

Le tabouret LOOP est un objet multifonctionnel. Outre son design iconique et attachant, le tabouret peut être utilisé comme table d’appoint.

Le luminaire TILE est une fusion remarquable de deux domaines, l’artisanat et l’informatique. 570 pièces en aluminium coupées au laser sont assemblées une à une à la main. Les trois ampoules éclairent l’ambiance en projettent la lumière par le dessous ainsi qu’au travers des différentes pièces.

Le designer de Hambourg Anne Lorenz a inventé quelque chose entre le sac et le meuble. C’est un objet utile et sympathique où l’on peut mettre toutes sortes de choses et le déplacer facilement d’une pièce dans une autre, d’où son nom The Home Traveller.

Le développement de la technique de l’impression à un large format sur des surfaces variées,  il y a plus de possibilités de rendre vos meubles vraiment uniques et qu’ils reflètent plus votre personnalité. Si avant il s’agissait de la décoration des murs, aujourd’hui on voit apparaître de plus en plus des meubles «customiser». Par exemple, les travaux du designer parisien Théo Jasmin qui propose d’appliquer des photos sur n’importe quelle surface : murs, coussins, sacs et meubles. Le designer a choisi les meubles classiques pour la décoration. Un choix qui laisse mieux apparaître le contraste entre la forme traditionnelle et le décor contemporain. Je vous propose la collection de canapés classiques aux images diverses.

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Dubourg dit que ses travaux présentent le dialogue entre l’homme et la nature.

Les projets de cet artiste sont pareils aux êtres vivants : ils s’entrelacent comme les branches d’arbre et ondulent comme l’herbe sous le vent.

On peut découvrir ou re-découvrir les 8 projets les plus connus de Vincent Dubourg dans le cadre de l’exposition «Сarpenters Workshop Gallery» du 19 Mars au 28 Mai 2011 à Londres.

Chaque projet dévoile la passion de l’auteur vers le déconstructivisme, la distorsion des formes et les expériences avec des matériaux.

1. Le concept de la chaise Triplette.

Il s’agit d’une chaise formellement très simple qui à une particularité : celle de pouvoir se multiplier.
Parti d’un travail autour du gain de place, en essayant de trouver une alternative aux chaises pliantes que l’on à l’habitude d’utiliser lorsque l’on reçoit du monde chez soi et qui se retrouvent après la soirée dans un coin, un placard ou contre un mur.
La chaise Triplette permet alors à l’utilisateur de « stocker » ses assises inutilisées sans perte de place et de tout simplement venir multiplier son assise lorsque des amis s’invitent à l’improviste.

2. La carafe « Eau de Strasbourg »

Il s’agit d’un concours proposé par la communauté urbaine de Strasbourg (CUS). Le designer a travaillé sur un des points du cahier des charges qui lui paraissait intéressant, « une prise en main aisée pour les adultes comme pour les enfants ».  L’idée était de venir casser la symétrie de la carafe classique en créant un décroché pour proposer une manipulation plus facile. Ce projet est arrivé 1er et la carafe sera commercialisée courant 2011.


Avec ces différentes idées le designer souhaite amener l’utilisateur à jouer avec son objet, à le manipuler, à le questionner.

Plus de détails – sur son site www.paulmenand.fr

Il est assez difficile de classer ou d’ identifier ses ouvrages dans tel ou tel style. Les objets designés pour Casamilano ou Capellini sont, par exemple, marqués par leurs simplicité et laconisme et pourraient être classés minimalistes mais la chaleur et le confort dont ils rayonnent, les aide à surpasser les frontières de ce style.

Les mêmes impressions sont provoquées par la collection des meubles pour Gervasoni, qui laisse apparaître les traits du style éthnique. Certains objets, créés par Paola dans les années 80,  semblent ornés de motifs asiatiques ou africains mais tout cela est compréhensible seulement au niveau des sensations, car aucun ornement authentique n’est utilisé dans ces travaux.

«Je n’accepte pas des objets qui ressemblent à des pièces de musée. Je ne comprends également pas les designers qui s’expriment dans les objets qu’ils créent. Je crois que cela ne va jamais avec le processus créatif. Si une personne invente quelque chose et se réalise dans son ouvrage, cette personne est facilement reconnue.  C’est assez difficile de me reconnaître dans mes objets»

La designer a beaucoup voyagé en Asie du Sud-Est où elle a appris des choses qui ressurgissent dans ses collections. Cependant il est presque impossible (même pour Paola) de définir les choses concrètes qui l’ont inspirée à la créations de  telle ou telle collection.  Ses projets sortent par « familles » car elle ne tend pas à créer des objets unique. Paola Navone utilise les matérieaux modernes aussi bien que les traditionnels naturels, les technologies contemporaines ainsi que les techniques anciennes des maîtres italiens.

Paola ne tient pas à un seul style, elle ne suit pas la mode et n’aspire pas à exprimer son individualité. Peut-être c’est pour cette raison que chaque travail est différent du précédent.

Paola Navone est née en 1950 à Turin. En 1973 elle termine la faculté architecturale de l’Université Polytechnique (Politecnico di Torino), et déménage à Milan. Là elle devient directeur d’art du Centro Kappa, elle organise et promouvoit les expositions, les marques  de commerce et les magasins. A la fin des années 70 elle fait connaissance avec Abet dont la production éveille son intérêt pour des surfaces solides et leurs décorations.

En même temps (au milieu des années 70) elle commence son travail chez Alchimia avec Ettore Sottsass, Alessandro Mendini et le fondateur de ce groupe créatif Andrea Branzi . Le studio était organisé comme une gallerie de travaux expérimentaux qui n’étaient pas destinés à la production industrielles. A cette époque-là c’était une des plus progressistes équipes de designers en Italie.

Les meubles de calamus, du métal forgé, du fil de fer, des surfaces blanchies et les fauteuils confortables semblaient extraordinaires. Paola Navone était une des premiers qui s’intéressaient aux formes simples et des matériaux naturels des pays asiatiques bien avant l’apparition du style éthnique.

«Le design italien des années 80 était trop correct et strict. Il était comme un  « sofa en cuir noir avec la structure en acier ». A ce moment j’ai eu  l’ idée de développer le design de meubles de la même manière que l’on réalise des vêtements, et notamment créer chaque année une nouvelle collection et non pas un seul sofa ou un fauteuil. L’idée principale était de changer complètement ‘àle style des collections chaque année».

Au début des années 90 Paola Navone devient le designer en chef de la société Gervasoni, où elle travaille jusqu’à maintenant. Avec sa toute première collection, appelée Mondo («Monde»), la designer ouvre de nouveaux horizons devant Gervasoni pour en faire un laboratoire d’ idées de design créatif.

«Tout d’abord j’essaie de suivre la conception. La forme peut être changée si cela est necessaire par la porduction mais la conception doit reste intacte»

Parmi les clients de Paola sont Driade, Orizzonti, Arcade, Cicladi, Ebridi, Oltrefrontiera, Casamilano. Elle a aussi fait le projet de la bijouterie Piero Milano.

Site du designer: www.maximoriera.com